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"Tu ne prends pas une photo, tu la crées". Ansel Adams
Ansel dit que pour maîtriser la composition photo, il faut trouver un moyen de composer ce que l’on voit, ce que l’on ressent et ce que l’on veut transmettre dans une image finale.
Nous nous sommes TOUS demandé pourquoi l’image que nous avons prise ne ressemblait en rien à ce que nous pensions. Nous croyions vraiment que lorsque nous avons cliqué sur le déclencheur, nous venions de capturer exactement ce que nous avions vu et ressenti.
Et puis, la déception…
Mais cela ne doit plus jamais être le cas. Ce guide est conçu pour vous aider à commencer à prendre constamment de meilleures photos, peu importe le sujet que vous photographiez.
Ensemble, nous allons apprendre à équilibrer deux aspects de la photographie : la technique et la créativité. La composition photo est le pont entre ces deux éléments. La composition est la pièce d’équipement la plus critique que vous ayez, plus que cet appareil photo ou cet objectif coûteux dans votre sac.
En pratiquant et en appliquant l’un des conseils de composition photo ci-dessous, vous apprendrez à guider vos spectateurs vers les sentiments que vous voulez évoquer et finalement faire correspondre ce que vous avez imaginé avec ce que vous avez capturé !
Il n’y a pas de meilleur endroit pour commencer que la technique de composition classique n°1 de tous les temps. La règle des tiers divise votre image avec deux lignes horizontales et deux lignes verticales qui se croisent, ce qui divise votre image en neuf cases de taille égale. Les lignes se croisent en quatre points et comme les yeux du spectateur sont naturellement attirés vers ces points. La règle des tiers dit que vous devez placer votre sujet ou les éléments les plus importants de la scène le long d’une des lignes ou sur un des points.
Dans les portraits, placez un des yeux de votre sujet sur l'un des points ou les deux yeux sur l'une des lignes horizontales. Dans les paysages, placez l'horizon le long d'une des lignes horizontales.
La règle des tiers est une technique de composition photo puissante, mais parfois, placer votre sujet au centre de votre photo est l’endroit idéal. Trois scénarios idéaux pour centrer votre sujet :
1. Lorsque vous prenez une photo en gros plan dans laquelle votre sujet occupe la majeure partie ou la totalité du cadre.
2. Quand il n’y a rien en arrière-plan pour détourner l’attention de votre sujet.
3. Quand vous cherchez spécifiquement à présenter une sorte de symétrie.
Pour créer un look plus raffiné dans un portrait centré, essayez de faire regarder votre sujet sur le côté. Cela ajoute parfois un élément de mystère ou de nostalgie qui donne à l'image plus d'attrait qu'une photo de vacances ou une photo de tête d'entreprise.
Les triangles ont un fort impact visuel et vous n’avez pas besoin de photographier des triangles littéraux pour obtenir cet effet. Tout ce dont vous avez besoin, ce sont trois points visuels qui existent dans une formation quelque peu triangulaire. L’imagination du spectateur reliera les points et liera tous les éléments de la photographie ensemble ! Le triangle imaginé peut aussi s’étendre au-delà des bords de votre photo, alors ne vous inquiétez pas s’il n’est pas complètement confiné à l’intérieur du cadre.
Essayez de créer une composition photo triangulaire avec un angle de prise de vue faible pour ajouter de la profondeur aux photos de paysage.
Utilisez des cadres lorsque vous voulez attirer l’attention sur une zone spécifique de votre image. Tirer un objet à travers un trou ou un espace dans un autre est une façon classique d’ajouter de l’intérêt, de l’équilibre et de la profondeur à vos photos. Les cadres peuvent être naturels, comme des branches d’arbre en surplomb ou des formations rocheuses, ou être des objets artificiels, comme des portes.
Essayez de chercher des cadres inhabituels et évitez les clichés tels que les modèles qui tiennent les cadres à photo. Par exemple, essayez de capturer le reflet de votre modèle ou d'un autre sujet dans une flaque d'eau ou un miroir mural.
La symétrie, c’est tout pour trouver l’équilibre dans votre image. Le type de symétrie le plus simple consiste à diviser la scène en deux, verticalement ou horizontalement, les deux moitiés ayant une structure très similaire, comme l’image du lustre ci-dessous. Contrairement aux autres techniques de composition, la symétrie est basée sur la minimisation du contraste. Pour maîtriser l’art de la symétrie, vous devez considérer la taille, la forme, la couleur, la ligne et la texture comme des éléments à équilibrer.
La symétrie peut être illustrée par des objets qui se font face et d'autres qui s'opposent. Pensez en termes de concept Rubin "vase ou visage" lorsque vous recherchez la symétrie dans votre environnement. Étudier l'architecture dans la ville et les reflets dans le paysage pour trouver des façons potentielles d'utiliser cet élément de composition.
À bien des égards, c’est le contraire de la symétrie. En juxtaposition, vous voulez créer du contraste à l’intérieur de votre cadre en utilisant des éléments asymétriques. La façon la plus courante d’y parvenir est de placer ou de disposer les objets dans des endroits adjacents ou opposés pour faire ressortir leurs différences. Cependant, l’emplacement des sujets n’est pas critique pour l’effet, tant que la comparaison est évidente et que le contraste est vif. La clé est d’être intelligent et efficace.
Recherchez la juxtaposition dans tous les genres photographiques que vous essayez. Anciens et nouveaux, naturels et artificiels, mous et durs, grands et petits, ce ne sont que la pointe de l'iceberg.
Les lignes d’attaque, qu’elles soient littérales ou implicites, créent un chemin que le regard du spectateur peut suivre. Elles peuvent aussi prendre de nombreuses formes différentes. Les lignes peuvent mener le spectateur au sujet ou l’éloigner à l’infini. Elles peuvent être droites, courbes ou angulaires. Une photo peut avoir une ligne de départ ou un bouquet qui converge sur le sujet sous différents angles. Lorsque vous explorez cette technique de composition photo, rappelez-vous où vous voulez que le regard de votre spectateur aille, et continuez à recomposer le cadre jusqu’à ce que les lignes y mènent. Essayez de garder à l’esprit que les lignes peuvent se présenter sous tant de formes différentes.
Ne vous contentez pas de trouver quelques lignes d'attaque et de tirer un coup de feu. Essayez de trouver le meilleur angle de prise de vue pour vraiment les mettre en valeur pour un impact maximum.
Les lignes diagonales traduisent la force et le mouvement. Ils peuvent s’étendre d’un côté d’une photographie à l’autre, ou comme l’image ci-dessous, ils peuvent également arrêter les bords courts. Utilisez-les pour prendre des photos d’apparence dynamique ou pour incorporer de multiples lignes diagonales afin d’établir un motif. Parfois, le meilleur moment pour utiliser une diagonale est lorsqu’il y a un contraste net entre deux zones de votre cadrage.
Sachez que les yeux de vos spectateurs auront tendance à suivre les lignes diagonales jusqu'à leur extrémité, alors assurez-vous que les lignes pointent vers l'endroit que vous voulez que vos spectateurs regardent !
Les lignes courbes adoucissent l’image et donnent un aspect organique naturel qui se prête parfaitement à la photographie de paysage, d’architecture, de drone et urbaine. Vous pouvez utiliser les courbes pour transmettre un sentiment de calme ou pour emmener le spectateur dans un voyage dont la destination se situe au-delà de la photographie. Ils sont très doués pour susciter un sentiment d’émerveillement ou d’envie d’errer dans vos photos.
Vous pouvez ajouter une plus grande dynamique et éviter un composition photo ennuyeuse, en incluant également des lignes droites ou des objets angulaires. Afin de créer une juxtaposition comme nous en avons parlé plus haut.
Il y aura d’innombrables fois où vous voudrez isoler et mettre en valeur un sujet tout en éliminant les distractions à l’arrière-plan. Il est courant en photographie portrait, que les caractéristiques les plus importantes de votre sujet soient perdues si le fond est trop bruyant. La technique la plus courante consiste simplement à flouter l’arrière-plan (comme l’image ci-dessous), mais ce n’est pas la seule solution. Considérez des choses comme un ciel sans nuages (ou une journée complètement grise). Peut-être un motif répétitif subtil comme un mur de brique ou un espace ouvert comme un grand champ ou un terrain de stationnement. Vous pouvez même utiliser des angles intelligents pour contrôler l’arrière-plan en prenant des photos de dessous ou de dessus.
Expérimentez en utilisant des toiles de fond de couleurs et de textures différentes. Il y a déjà assez d'images "filmées en blanc" dehors, il nous faut plus de variété !
Parfois, vous ne voulez pas un arrière-plan simple, mais plutôt un arrière-plan qui s’appuie sur votre sujet pour raconter une histoire encore plus vibrante. Vous voudrez que l’action en arrière-plan soit visible. Mais aussi qu’elle ne soit pas distrayante au point d’accabler le sujet et de gâcher la composition photo. Laissez l’arrière-plan expliquer une partie clé de l’histoire globale que le sujet ne peut pas expliquer tout seul.
Estompez légèrement l'arrière-plan tout en gardant le sujet bien au point pour l'aider à se démarquer.
Utilisez une ligne d’horizon haute dans votre composition photo, lorsque vous voulez mettre l’accent sur le premier plan. Il peut aussi être utilisé pour créer un profond sens de la distance, en attirant le spectateur dans l’image et en lui donnant l’impression qu’il contemple une vaste étendue.
La ligne d'horizon peut être placée selon la règle des tiers, mais ce n'est pas obligatoire. Plus la ligne d'horizon est placée haut dans le plan de l'image, plus l'effet sera spectaculaire.
Si vous voulez mettre l’accent sur le ciel, utilisez une ligne d’horizon bas. Cette technique peut être utilisée pour transmettre l’immensité du ciel ou l’insignifiance de votre sujet.
Avoir beaucoup de contraste entre le ciel et la terre et l'eau, peut faire une photo étonnante à l'horizon bas... cependant, l'inverse peut aussi être vrai.
Avoir un point d’intérêt au premier plan, au milieu et au loin est une excellente technique pour ajouter de la profondeur à toute composition photo. L’important, c’est que ces trois sections doivent avoir un contraste suffisamment défini pour pouvoir être facilement distinguées les unes des autres, sinon votre photo risque de devenir trop désordonnée.
S'il y a beaucoup de choses qui se passent dans votre photographie, incluez des lignes fortes pour guider les yeux du spectateur vers le sujet principal. Pour un sens de la perspective encore plus grand, laissez les objets se chevaucher pour montrer clairement la profondeur au fur et à mesure que vous allez plus loin dans la photo.
Une personne ou un objet peut rendre un paysage plus éblouissant en illustrant la taille et la portée de l’image. L’objet doit être suffisamment grand pour être perceptible et attirer l’attention du spectateur, mais pas au point de distraire l’attention du paysage.
Plus la personne ou l'objet semble petit, plus la photo est dramatique. Gardez à l'esprit qu'un objet reconnaissable qui fait déjà partie du paysage fonctionne tout aussi bien, vous n'avez pas besoin d'une personne pour vous y tenir debout.
Ajoutez de l’intérêt en tirant d’un endroit inattendu. Considérez des points d’observation qui ne sont habituellement pas vus, et emmenez les spectateurs dans un voyage unique. Par exemple, les drones sont un moyen populaire de rassembler des angles jamais vus auparavant. La prise de vue à partir de certains endroits peut nécessiter une planification à l’avance, alors considérez si vous aurez besoin d’outils spéciaux, d’une permission ou d’aide. N’oubliez pas de rester en sécurité et de ne pas enfreindre la loi !
Essayez de toujours considérer d'autres points de vue lorsque vous photographier. Ne vous contentez pas d'avancer, de tirer et de supposer que c'était le seul angle qui aurait pu fonctionner. Déplacez-vous, montez haut, descendez bas, etc....
Le contraste est la clé pour éviter les images « plates » qui paraissent ternes et d’une seule note. Le contraste des couleurs peut donner de l’énergie à une photographie, mais il en va de même pour les grandes différences de lumière et d’ombre. Par exemple, vous pouvez photographier à l’aube ou au crépuscule et profiter des effets de la lumière inclinée du soleil. De plus, les variations de texture peuvent être utilisées pour ajouter des éléments dramatiques dans votre composition photo.
Lorsqu'on met l'accent sur des couleurs contrastées, il est souvent utile d'augmenter leur intensité. Essayez d'utiliser un filtre GND (Graduated Neutral Density) pour améliorer le ciel ou même le premier plan si la situation le permet. Il est également possible d'augmenter la saturation et le contraste en post-traitement, mais attention de ne pas pousser les réglages trop loin.
Un objet ou une forme qui se répète peut créer un motif dominant. En capitalisant sur ces motifs, on peut créer un sentiment calme et rythmique ou créer des abstractions complètes avec des objets communs. Plus vous avez d’objets répétitifs dans votre photographie, plus vous avez de chances de capturer des abstractions et des illusions d’optique étonnantes.
Expérimentez avec des arrangements symétriques et asymétriques des objets répétitifs. Examinez comment les différentes distances focales et les différents angles de prise de vue affectent l'image.
Lorsqu’un élément de votre sujet est hors scène, vos téléspectateurs veulent en savoir plus. Attirez-les au plus profond de l’histoire avec ce qu’ils ne peuvent pas voir à l’extérieur du cadre. Cette technique tire parti de la dynamique des « lignes implicites » que nous allons explorer plus loin.
Demandez à vos sujets de regarder quelque chose à l'extérieur du cadre de l'image pour que l'histoire semble plus grande que la photo elle-même.
Aviez-vous remarqué la ligne qui sort du cadre dans la photo d’exemple précédente (sans la ligne blanche) ? C’est parce qu’il n’y avait pas de ligne physique. Néanmoins, il y avait une certaine dynamique créée par la ligne de vue des personnes dans le plan. C’est un excellent exemple de « lignes implicites » dans la composition. Il existe plusieurs types de lignes implicites qui peuvent être exploitées pour tirer. Ou pousser vos spectateurs là où vous voulez qu’ils aillent.
Les formes les plus simples sont des choses comme un doigt pointé du doigt, un signe ou la direction du regard de quelqu’un. Des techniques plus avancées seraient le mouvement apparent de quelqu’un. Ces lignes « invisibles » peuvent souvent être encore plus efficaces que les lignes « réelles » pour ajouter de l’énergie dynamique à vos photos. Vous pouvez les utiliser pour mener à un sujet ou pour ajouter de la profondeur, tout comme vous le feriez avec des lignes physiques.
Pour éviter d'être trop évident, recherchez ou créez des lignes de la façon la plus subtile que vous puissiez trouver. Par exemple, un spectateur n'a pas besoin de voir les yeux d'un sujet pour savoir où il regarde. Une personne ou un animal qui s'éloigne de vous et qui, de toute évidence, regarde vers le bas d'une route est une implication très forte d'une ligne dans cette direction.
Le mouvement peut être implicite ainsi qu’un sens de l’orientation. Par exemple, lorsque vous faites un panoramique à la même vitesse que votre sujet en mouvement, l’arrière-plan s’estompe alors que le sujet lui-même est relativement « gelé ». Cela ajoute une tension visuelle et fait sortir le sujet de la composition photo. Vous pouvez aussi faire l’effet inverse pour montrer le mouvement.
Lorsque vous " gelez " un sujet en mouvement et que vous brouillez l'arrière-plan, il peut être utile de laisser de l'espace devant votre sujet. (Voir le conseil suivant.)
Lorsque le sujet principal de votre cadre est en mouvement, il est important qu’il ait un endroit où aller. Pousser un sujet en mouvement trop près du bord du cadre peut ruiner sa valeur dynamique. Vous pouvez amplifier le sens du mouvement en laissant un espace négatif dans la direction où le sujet se déplace. Cela fonctionne également bien lorsque le mouvement est implicite ou anticipé, comme un objet sur une pente.
Les marges gauche et droite de votre photo ne sont pas les seules zones qui peuvent être utilisées comme espace de tête. Utilisez le haut et le bas du cadre pour permettre le mouvement vers l'arrière-plan ou le premier plan.
Comme le disait le légendaire photographe Robert Capa : « Si vos photos ne sont pas assez bonnes, vous n’êtes pas assez près. » Pour obtenir la composition en photo dont on a besoin, il faut parfois se rapprocher…. vraiment très proche.
1. Le fait de se rapprocher des sujets de premier plan dans la photographie de paysage, de rue et d’autres types de photographie similaires peut ajouter une profondeur incroyable à une photo. Dans la plupart des cas, vous voudrez prendre des photos avec une petite ouverture pour maximiser la profondeur de champ de l’image obtenue.
2. La macrophotographie peut révéler un monde étrange et beau qui ne peut jamais être vu à l’œil nu. Pour de meilleurs résultats, utilisez un objectif macro avec une distance focale comprise entre 50mm et 200mm.
Lors de la prise de macro-images, appliquez les principes de composition en photo comme vous le feriez dans tout autre genre (règle des tiers, symétrie, laisser l'arrière-plan raconter une partie de l'histoire, etc...). Cela vous aidera à créer des images qui se démarqueront, plutôt que de vous contenter de "gros plans".
La dynamique de la composition en photo dépasse le domaine du mouvement physique. L’interaction entre les sujets, qu’ils soient vivants ou créés par l’homme, produit un sentiment d’être dans « l’instant présent ». Rappelez-vous que votre photo est une histoire, qu’il y a des personnages et un environnement. La façon dont vous choisissez de montrer l’interaction et de l’encadrer mène au succès, ou à l’échec d’une composition.
L’interaction prend de nombreuses formes. Le contact visuel, les mouvements apparents les uns avec les autres ou les uns contre les autres. Les mouvements à l’unisson ou opposés, et bien d’autres choses encore. Ce qui est amusant, c’est de savoir comment vous allez saisir l’interaction qui résume le mieux le sentiment que vous voulez transmettre.
Apprenez à anticiper. La capture de l'interaction est souvent une question de timing précis. En particulier lorsqu'il s'agit de photographier des animaux sauvages, des villes et des événements.
La mise au point de la plupart des portraits est faite sur le visage du sujet. Cependant, le visage n’est pas la seule partie expressive du corps ! Cherchez d’autres façons de montrer la personnalité de votre sujet. Cela pourrait être leurs mains, le roulement subtil des épaules douces, ou un dos plié. Trouvez ce détail qui peut être utilisé pour projeter un meilleur sens de la personne devant votre objectif.
Lorsque vous composez des portraits, il est important d'expérimenter avec de multiples distances focales et de prendre des photos à des distances différentes de vos sujets. Petit à petit, vous développerez votre propre style de portrait grâce à cette expérimentation.
Nous venons d’exposer 25 conseils pour une meilleure composition photo. Aucune d’entre elles n’est une véritable « règle », indépendamment du fait qu’on l’appelle la « règle des tiers ». Si les « règles » de la composition visuelle sont nombreuses et souvent difficiles à comprendre, elles sont destinées à être enfreintes. Il n’y a pas de façon parfaite pour créer une composition en photo. Il s’agit d’expérimenter constamment et de trouver ainsi votre propre style unique qui vous distingue des autres.
Recherchez les photographes d’avant-garde que vous aimez vraiment : des photos qui représentent des styles, des looks, des sentiments que vous voulez représenter dans votre propre travail, et apprenez d’eux. Essayez d’imiter les techniques qui se démarquent de vous, puis construisez à partir de celles-ci. Suivez les photographes de la relève pour voir comment ils continuent à repousser les limites de la photographie contemporaine.
N'oubliez pas que ces conseils ne sont pas destinés à constituer une leçon complète sur la composition photo. Beaucoup des plus grands photographes des générations précédentes et actuelles étaient autodidactes. Ils n'arrêtaient pas de jouer avec la composition, les réglages et le post-traitement jusqu'à ce qu'ils obtiennent quelque chose qui leur paraissait toujours correct. Ces 26 suggestions sont offertes ici pour vous donner une longueur d'avance dans la création d'images plus énergiques et plus significatives. En suivant ces suggestions, vous devriez à la fois développer votre créativité et l'impact de vos images. Qui sait, peut-être qu'un jour nous écrirons sur la technique de composition en photo que vous avez mise au point !
Seth est le PDG de PHLEARN et un écrivain, photographe, investisseur en démarrage et mentor en affaires passionné à Chicago. Il s’est joint à PHLEARN en 2016 et s’est concentré sur l’expansion de la communauté pour atteindre des millions de nouveaux Phans et rendre l’apprentissage amusant pour la prochaine génération de grands artistes.
